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13 enero 2013

¿Vale la pena Netflix en Latinoamérica?



Netflix es un servicio de televisión a través de Internet. Con Netflix se pueden ver, por streaming, series de televisión, películas, documentales, dibujos animados y más, de forma ilimitada. El servicio está disponible en el Ecuador y en varios países de Latinoamérica desde hace poco más de un año, aunque el comentario generalizado ha sido que la selección de programas es modesta, especialmente si se la compara con la selección disponible en los Estados Unidos. A pesar de ello, considero que Netflix es un servicio que proporciona muchas ventajas a un precio módico. Veamos:

10 marzo 2010

Documentales: Food, Inc.

Viví en la carísima ciudad de Londres hace unos años, siempre buscando la forma de gastar menos.  Los jugos naturales eran demasiado caros para ser una opción, por lo que casi siempre compraba un frasco de "concentrado" para diluir en agua y darle sabor a naranja u otra fruta.  En realidad lo que estaba bebiendo no tenía nada frutal, básicamente era jarabe de maíz aguado con colorante y saborizante.  En Ecuador, todavía tengo la suerte de levantarme y tomar un vasito de jugo recién exprimido que en Inglaterra me habría costado al menos un par de libras esterlinas.  También puedo ir al mercado municipal y comprar los ingredientes para una buena comida a un precio relativamente módico, pues todavía resulta más barato cocinar en casa que comer diariamente en restaurante.  Sin embargo, los "combos" de las grandes cadenas de comida rápida están cambiando poco a poco esta situación: más y más personas incorporan a su dieta diaria económicos almuerzos que se consumen en los patios de comidas de los centros comerciales.

Esto a propósito del documental del estadounidense Robert Kenner, Food, Inc. (Comida, S.A.), nominado a los óscares de este año, que ha causado reacciones negativas de los gigantes transnacionales de la industria alimenticia.  Se basa, parcialmente, en el polémico libro "Fast Food Nation" de Eric Schlosser, considerado por los críticos como una de las grandes obras sociológicas del siglo.

Food, Inc. muestra la realidad de los procesos agro-industriales, la manipulación genética de los animales y de las semillas vegetales, el trato brutal que se les da a las especies en los criaderos, los químicos tóxicos que se utilizan para "limpiar" la carne contaminada por todas las malas prácticas en la producción masiva.  Todo ello en manos de cuatro o cinco corporaciones que controlan prácticamente toda la industria alimenticia en EE.UU. y varios países del mundo.  Al parecer la realización le valió a Kenner una serie de problemas legales causados por las compañías, que se amparan en una serie de leyes de protección al buen nombre de la agro industria.

Dentro del filme se da a conocer, además, el caso de Kevin, un niño de 2 años que pereció víctima de la bacteria e-coli, presente en la carne de res de una hamburguesa que comió, debido a la alimentación vacuna a base de maíz en lugar de hierba, puesto que el gobierno subsidia el maíz, volviéndolo muy barato.  De hecho, uno de los datos sorprendentes que se presentan, es el porcentaje de derivados de maíz que consumimos todo el tiempo: todos los productos que vende un supermercado prácticamente son diferentes presentaciones del maíz; éste está presente en alimentos como carnes, jugos, cereales, gaseosas, embutidos e incluso en no comestibles como los pañales de bebé.

También la situación laboral dentro de las grandes industrias se menciona: la mayoría de los trabajadores son inmigrantes ilegales que por miedo a la deportación jamás reclaman sus derechos fundamentales, mientras la empresa contratante en realidad tiene un acuerdo con la policía para denunciar sólo a un mínimo porcentaje de la nómina irregular, evitando la escasez de mano de obra barata por efecto de las deportaciones.

La película ha sido criticada por presentar a la industria orgánica como el mesías salvador, a manera de "infomercial", sin percatarse de que a medida que los productores crecen y se venden a las grandes corporaciones, empiezan nuevamente las prácticas mercantiles deshumanizadas que se critican en la propia cinta.  También se dice que el director olvida que la industria sólo ofrece lo que el público le pide, y que el individuo es en última instancia el que elige qué consumir.  Yo no concuerdo, es evidente que la publicidad crea muchas necesidades artificialmente para empujar al público hacia el consumo.  De cualquier manera, es imposible no reconocer el aporte formativo de este documental, cuyo mensaje es, en conclusión, que los animales que consumimos, como se dice en el documental, ya no son animales, sino recreaciones de animales, ideas de animales, construidas y modificadas en la industria para asegurar un mayor provecho económico al menor costo posible, sacrificando la calidad alimenticia y la salud de los consumidores.  Por el camino va quedando la agricultura tradicional, la micro empresa y la salud de la familia de clase media, que puede costearse una Big Mac por 99c todos los días, pero no una libra de brócoli para preparar un platillo de verdad.

Mi calificación: 4/5
Calificación en Rotten Tomatoes: 97/100
Calificación en IMDB: 7.9/10

24 febrero 2010

Películas: Precious (Preciosa)

La popular conductora de talk shows, Oprah Winfrey, es la productura de una película que definitivamente supera la calidad de sus programas. Precious (2009), basada en la novela "Push" de Sapphire, cuenta la historia de Clareece Precious Jones (Gabourey Sidibe), una adolescente afroamericana, obesa, analfabeta, y embarazada de su segundo hijo, producto de las violaciones sufridas, perpetradas por su propio padre.  

Precious sueña despierta y siempre quiere ser diferente: alta, blanca, delgada, con el cabello largo.  Desea tener un novio blanco y está enamorada de su profesor de matemáticas.  Ha llegado al noveno grado con buenas calificaciones, pero sin haber aprendido nada.  En casa, su madre (Mo'Nique) abusa verbal, física y sexualmente de ella, la obliga a comer cantidades enormes y la acusa de haberle quitado a su hombre.  Su primera hija, Mongo (forma corta de mongoloide), que padece síndrome de Down, vive en casa de su abuela.  Su vida cambiará cuando, por estar embarazada, la expulsen de su colegio para enviarla a una escuela alternativa, donde conoce nuevas compañeras y una maestra que le cambiará la vida enseñándole a descubrir la belleza genuina.

Los recursos utilizados por el director Lee Daniels son creativos, simples y precisos, aunque quizá un poco repetitivos; la imaginación de la protagonista, colorida y plena de formas y luces, se intercala con la realidad más opaca de Harlem, el barrio neoyorquino en el que vive, y con la oscuridad del departamento que comparte con su madre.  La imaginación es el arma para sobrellevar las desgracias: glamorosos vídeo-clips, autógrafos en la alfombra roja, visitas de un apuesto galán mulato, son escenas que Precious utiliza como escudo, ante la violencia que vive cada día, para abandonar su propio cuerpo.

La cantante Mariah Carey aparece en un rol secundario, el de Miss Weiss, la trabajadora social que ahonda en la vida de la protagonista, descubriendo el lado más cruel de su pasado y la burda indiferencia de su madre.  También veremos a Lenny Kravitz, en el papel del enfermero que atiende el parto de Precious. Hacia el final de la película, Precious se entera de que su padre la ha contagiado de SIDA, pese a lo cual, busca seguir adelante y criar a sus hijos.

En el Festival de Sundance, la película ganó el Premio de la Audiencia y el Premio del Gran Jurado al mejor Drama, así como un premio especial del jurado a la actriz secundaria Mo'Nique. En el Festival de Cine de Toronto, obtuvo el premio del Público.  Precious no es una película para divertirse despreocupadamente.  Es una cinta en la que las desgracias se acumulan y aplastan al expectador debilitándolo y sacudiéndolo con un guión frontal, que no escatima en diálogos fuertes y frases duras, para introducirlo en la cruda realidad que retrata.  ¿Sobrepasa la frontera entre el realismo y el amarillismo?  Quienes la vean llegarán a sus propias conclusiones.

02 febrero 2010

Sleuth: diálogos brillantes, virtuosas actuaciones

Sleuth (2007), una película sin costosos efectos especiales ni impresionantes escenarios, pero con diálogos fascinantes y actuaciones virtuosas.  Un gran director, Kenneth Branagh -también actor, conocido por sus adaptaciones cinematográficas de Shakespeare- y dos actores consagrados, el maestro Sir Michael Caine y el versátil Jude Law, despliegan todo su talento en un filme cuyo guión fue elaborado por el Nobel de Literatura, Harold Pinter, sobre la base de la obra teatral ganadora del Tony, de Anthony Shaffer.

Una batalla de personajes que juegan a vencerse y a vencer al espectador en un sólo escenario: la moderna y fríamente iluminada casa del millonario escritor Andrew Wyke (Caine), famoso por sus best sellers policíacos y traicionado por su esposa, quien se ha marchado con el joven actor de origen italiano Milo Tindle (Law), a quien Wyke recibe en su casa para iniciar una serie de juegos de tipo el gato y el ratón, con el objeto de humillar al amante de su cónyuge.  Lo que él no sospecha es que Tindle también esconde cartas bajo la manga y se valdrá de todo su talento para igualar el marcador de las humillaciones.  Los dos primeros actos navegan entre el misterio y el suspenso, el tercer y último acto muestra la humanidad y romanticismo de los personajes, desde un enfoque ambiguo casi cómico, para enseguida volver sobre sus etapas más oscuras, su capacidad de engaño, de crueldad, de revancha.

Sleuth se adaptó al cine ya en 1972; curiosamente, Caine interpretó a Milo Tindle, mientras Lawrence Olivier tuvo el papel de Wyke.  El guión lo realizó el propio autor de la obra, Shaffer, por lo que la versión de Pinter se presenta renovada y replanteada para ajustarla mejor a la sociedad y moralidad actuales, de tal manera que los críticos se abstienen de llamarla remake.

En la versión 2007 hay cameos de Harold Pinter y Kenneth Branagh, quienes aparecen en un programa de entrevistas en la televisión que está viendo Michael Caine antes del segundo acto.

Una película para los amantes de la teatralidad, de las palabras, de los buenos guiones y las buenas actuaciones. Algunos críticos se refirieron a ella como "claustrofóbica", otros la comparararon con la de 1972 y se sintieron decepcionados, ciertos espectadores la encontraron aburrida.  Tal vez porque estamos acostumbrados a la estridencia de las superproducciones de Hollywood y hemos perdido la capacidad de valorar el arte en su esencia.  Si bien no ha recibido toda la atención que merece, seguro, como ha dicho el propio Caine, será redescubierta algún día.

24 enero 2010

Nixon de Oliver Stone


Richard Nixon (1913-1994), autor del célebre discurso de la "gran mayoría silenciosa", quien llamara "monstruo" a Mao Tse Tung y luego, durante su presidencia firmara acuerdos con él; envuelto en el escandaloso caso "Watergate", fue uno de los políticos más influyentes del siglo XX y no precisamente por su gran carisma, a diferencia de otras figuras más queridas por la gente, como la de JFK, ante quien perdió las elecciones en 1960.

Existen algunas películas rodadas sobre la temática de Nixon, entre ellas la clásica "Todos los hombres del presidente" con Robert Redford.  Pero pocas retratan tan bien al complejo ser humano, al contradictorio individuo detrás de la figura política, con la maestría con que se hace en "Nixon" de Oliver Stone, gracias a la virtuosa actuación del genial Sir Anthony Hopkins, un británico cuyo acento americano en la película es más convincente que el de cualquier cowboy.

La cinta cubre todas las etapas de la vida de Nixon con la técnica del flashback: su infancia en el pobre rancho de su padre, los años universitarios y el equipo de football, su carrera política previa a la presidencia, la retirada de la política, el regreso, el ascenso y la caída.  La película no es una apología del estadista pero tampoco omite sus importantes proyecciones como actor político.  Deja ver los serios problemas de Nixon -y su esposa Pat- con el alcohol, pero no lo retrata como un ebrio descontrolado.  Muestra su lado más desquiciado y su sed de poder, pero también sus alegrías como padre y marido, el dolor de perder a sus hermanos y a su madre, su tristeza al saberse solo. Finalmente uno termina comprendiendo más al sujeto y menos al presidente, congraciándose con el hombre y repudiando a la figura pública, involucrada en intrincadas redes de corrupción y actos ilegales.


Durante la era de Nixon se dieron los primeros acercamientos de EE.UU. hacia China y la U.R.S.S. en el contexto de la Guerra Fría, pero también se apoyó la gestión de los dictadores de derecha en América Latina -Nixon dio el visto bueno a la C.I.A. para el derrocamiento de Salvador Allende en Chile-.  Las tropas estadounidenses en Vietnam se retiraron, pero a un lento paso de 4 años de duración, con los bombardeos de Camboya y Hanoi perpetrados en el tiempo intermedio.  Murieron estudiantes universitarios durante las manifestaciones por la paz.

Sólo por ver a Hopkins ejecutar su arte, la película vale la pena.  Pero además es una obra maestra por su guión y el enfoque profundo de la personalidad de uno de los políticos más fascinantes y oscuros de la historia post-moderna, como un hombre atormentado, solitario, que buscaba en la presidencia el reconocimiento necesario para sentirse amado, y que no supo utilizar las herramientas que tuvo a la mano para construir la paz.

18 enero 2010

Amén.: La Iglesia y los Nazis


Existen muchas películas acerca de la Segunda Guerra Mundial, pero quizá una no tan promocionada comercialmente es "Amén." (2002), del director griego Costa-Gavras, la cual aborda un tema poco común en las películas del género: el papel de la Iglesia Católica frente a las evidencias de los campos de concentración y el exterminio de los judíos que, según sugiere el filme, fueron conocidas por el alto clero de forma temprana.

Al respecto, Juan Pablo II se disculpó en nombre de la Iglesia en 1997  "por las conciencias adormecidas de algunos cristianos durante el Nazismo y la inadecuada "resistencia espiritual" de otros grupos ante la persecución de los judíos".  La disculpa no asume el importante rol del Vaticano como Estado, con fuerza política y diplomática y, naturalmente, no remedia nada, pero cabe que nos preguntemos cómo puede una institución humana e imperfecta, que se equivoca y pide disculpas, generar dogmas indiscutibles para gobernar las vidas de los católicos.  Pero, peor aún, lo que la película sugiere es que no solamente hubo omisión y silencio por parte de la Iglesia, sino incuso acciones tendientes a ayudar al régimen nazi, facilitando, por ejemplo, después de la guerra, los procedimientos para el exilio e impunidad de los ex-oficiales.

"Amén." nos presenta a un indiferente Pío XII, sin postura ética propia sino al vaivén del escenario político, demasiado cuidadoso, demasiado neutral ante el despedazamiento de los derechos humanos.  Un personaje ficticio, el joven jesuita Riccardo Fontana, interpretado por Mathieu Kassovitz (quien encarnara también al gran amor de Amelie Poulain en la conocida película), reivindica la verdadera entrega a los principios éticos más allá de la institucionalidad, la jerarquía y la disciplina.  Impotente ante la cúpula clerical, conocedor de los horrores en los campos de concentración por testimonio del teniente Kurt Gerstein -cuyos informes, en la vida real, sirvieron para reconstruir la historia del holocausto-, se coloca una estrella de David en el pecho y marcha junto a miles de judíos hacia el destino terrible que les espera.

La moralidad del protagonista Gerstein (Ulrich Tukur) es ambivalente, pues si bien su conciencia humanista lo lleva a tratar de denunciar los crímenes que ha atestiguado, no deja de ser eficiente para prestar sus servicios de asesoramiento a la hora de mejorar los procesos de eliminación de "unidades", como se denomina a los judíos entre los oficiales.  Quizá esas irreconciliables contradicciones fueron las que lo llevaron, en última instancia, al oscuro final de su existencia.


17 diciembre 2009

Teoría de la conspiración sobre la gripe porcina


Seamos o no aficionados a las teorías de la conspiración, el mini documental que sigue plantea importantes cuestiones relacionadas con los intereses económicos detrás de la campaña mediática que, en el pasado y recientemente, ha difundido los desastrosos efectos de las pandemias, causando temor entre los ciudadanos.  Se mencionan también los efectos secundarios del Tamiflú, medicina curiosamente recomendada en tiempos de la gripe aviar y también ahora, en tiempos de la gripe porcina, como si hubiera sido previsible la aparición de las pandemias y su naturaleza.  Al parecer, al menos desde un punto de vista estadístico, es más probable morir partido por un rayo que de gripe A.  Un agradecimiento especial al Dr. Xavier Encalada por enviarme el vídeo.


23 octubre 2009

El mejor cine de horror en Cinemassacre.com


Para los amantes del Cine de Terror, género muchas veces marginado y relacionado con la Serie B, la serie de reseñas Monster Madness de Cinemassacre -productora de cine y vídeo de James Rolfe, el famoso Angry Videogame Nerd- será una verdadera delicia.  En estos recorridos a través de las joyas clásicas del género, podremos disfrutar de las siempre originales y cómicas observaciones de Rolfe y apreciar, además, varias escenas y fragmentos del guión, que nos darán una idea sobre qué esperar de cada cinta, para escoger las más llamativas y disfrutarlas en alguna noche oscura y silenciosa.  Así, encontraremos por ejemplo referencias a El retorno de los Muertos Vivientes, Creepshow, Freaks, La Mosca, La Casa de Cera o la versión española de Dracula.  Una de las reseñas que más despertó mi curiosidad, como aficionada al cine de horror, fue la de Re-Animator, película de culto de estética gore, cruda y directa, basada en una historia de H.P. Lovecraft, que cuenta con varias secuelas, una de ellas por estrenarse.  En la cinta, un estudiante de medicina llega desde Suiza e instala en el sótano de la casa de uno de sus compañeros de estudio, un laboratorio de horror en el que se dedica a resucitar a los muertos empleando una sustancia experimental que traerá consecuencias inesperadas.

En suma, tener una suscripción a las actualizaciones de Cinemassacre.com es absolutamente indispensable para todos quienes disfrutan el retorcido y peculiar género de terror.

13 octubre 2009

Machuca: las cicatrices de Latinoamérica


La había visto hace algunos años en un festival de cine independiente y la volví a ver ayer con renovada conciencia histórica.  Machuca es una película estrenada en 2004, que se sitúa en el Chile de de 1973 durante el gobierno de Salvador Allende y la abrupta transición al régimen de facto de Augusto Pinochet, hito histórico enmarca a un lenguaje verbal y visual muy directo con el que se muestran una serie de características que los países latinoamericanos tienen en común, entre ellas el rechazo a lo mestizo, la sobre valoración de la estética occidental y la anatomía caucásica, y la furiosa resistencia al cambio que la derecha conservadora ha utilizado como arma de defensa de sus intereses a través de los tiempos.

Pedro Machuca "Peter" es un chico pobre que vive en los barrios marginales de Santiago y que por azares de la vida va a dar al Saint Patrick, un colegio privado que, por iniciativa de su rector, el cura MacEnroe, empieza a acoger a estudiantes becados, provenientes de los estratos menos favorecidos de la ciudad.  Las terribles contradicciones entre clases sociales son dolorosamente visibles desde el primer momento, y aunque en algún punto parece posible la amistad pura entre dos niños, el uno acomodado y el otro de escasos recursos, el delgado hilo termina por romperse, incapaz de resistir el peso del agudo enfrentamiento social, de la distancia entre un corazón que se congela y otro que arde, de la diferencia entre "las peras y las manzanas" que es la analogía que utiliza la madre de Gonzalo Infante, el niño pelirrojo y bien vestido que traba amistad con Machuca y Silvana, una chica abandonada por su madre que se gana la vida vendiendo banderitas en las manifestaciones que convulsionaban a la ciudad en ese entonces.  Los tres compartirán aventuras y experiencias; el despertar de su sexualidad, la diversión del juego, la visión de un mundo de adultos lleno de hipocresía, engaños e injusticias.



La película está basada en hechos reales vividos en carne propia por el director, Andrés Wood, quien fue testigo de esta suerte de experimentación social llevada a cabo en un colegio católico de Santiago durante los primeros años de la década del 70.  La película posee una carga emocional perturbadora que conmueve al espectador enseñándole la naturaleza humana y la imagen de una época a través de los ojos transparentes de los niños.  Hacia el final se alcanza un clímax de dolor y violencia con escenas de la irrupción de los militares en el colegio de los chicos y en el humilde barrio de invasiones ilegales en el que vive Machuca, para disparar a quemarropa y sin piedad a quien opusiera resistencia, incluída Silvana, la amiga de Machuca y Gonzalo, quien intenta evitar que le propinen una paliza a su padre.  Gonzalo consigue escapar de la operación militar pidiéndole a uno de los soldados que lo mire bien, y éste, ante su piel blanca y su ropa de marca, concluyendo que es imposible que el muchacho pertenezca a un barrio tan pobre, le permite huir dándole una palmada amistosa en la cabeza.

Esta es una de las verdades incómodas de Latinoamérica, una herida que sigue sin sanar; fenómenos sociales propios de la disparidad étnica y económica, herencia de los tiempos coloniales y, modernamente, consecuencia de la asfixiante publicidad que impone modelos inalcanzables de felicidad basada en el bienestar meramente material.  Las brechas sociales separan a los seres humanos en nuestros países; los prejuicios raciales, la xenofobia, el egoísmo y el conservadurismo nos han llevado a avergonzarnos de nuestra propia identidad mestiza, de nuestros nombres y apellidos, de unas irrepetibles características culturales que no se desarrollan ni aprovechan, porque se señalan con el dedo como defectos y nos impiden identificarnos con el otro para darle la mano y tomar la que nos ofrece.

05 octubre 2009

Elephant: la violencia de cada día


Gus Van Sant, director de la llamada "trilogía de la muerte", obtuvo, con "Elephant", la segunda película de dicha trilogía, varias nominaciones y reconocimientos, entre ellos la Palma de Oro en el festival de cine de Cannes, en 2003, por la puesta en escena, y también el premio al mejor director.

La historia tiene lugar un día cualquiera en una típica secundaria estadounidense, justo antes de un tiroteo masivo en el que mueren varios estudiantes.  A diferencia de otras películas que ya han tratado el tema de la violencia juvenil en EE.UU. a raíz de la masacre de Columbine, Elephant aborda el conflicto desde un punto de vista rutinario, sin pretender adentrarse en la psicología de los agresores o en los dilemas sociales que generan la violencia de manera directa, sino acercándose a la cotidianeidad de esos individuos anónimos que caminan por los corredores de la institución, sin saber que pronto van a morir.

La cinematografía es muy bella: la cámara avanza y retrocede persiguiendo o encontrándose con cada personaje; la misma escena se enfoca varias veces desde ángulos diferentes dependiendo del punto de vista del protagonista de la acción, en una secuencia circular de tiempo que nos brinda la ilusión de lentitud, de alargamiento, como queriendo que disfrutemos cada uno de esos minutos anteriores a la muerte. Otro elemento estético digno de destacarse es la banda sonora, compuesta esencialmente de piezas clásicas, entre las que destaca "Para Elisa" de Beethoven, más aún en cuanto uno de los jóvenes asesinos es un pianista frustrado.

La mayoría de actores que participan en el filme son actores jóvenes, incluso sin ninguna experiencia.  El guión fue tomando forma durante el rodaje, y el director permitió la colaboración creativa de todos los miembros del elenco.  Los personajes no dejan de encarnar estereotipos, aunque observados desde fuera, casi con frialdad: tres muchachas discuten sobre modas, chicos y dietas, para después ir al baño en grupo y vomitar su escaso almuerzo; una chica sencilla, de anteojos y poco arreglada se avergüenza de su propio cuerpo y se niega a utilizar shorts en la clase de educación física; un joven talentoso y sensible expresa su visión del mundo fotografiando personas; otro chico se enfrenta a la ebriedad consuetudinaria de su padre y coincidencialmente escapa de la matanza porque sale del edificio precisamente cuando los agresores están a punto de entrar.  Muchos de los asesinatos se quedan en el aire, sin resolverse, pues la cámara se aleja de la escena antes de los desenlaces, seguramente fatales.  Un hermoso cielo azul cierra la historia, coincidiendo con la imagen del principio de la cinta.

Una de las notas curiosas más significativas alrededor de la película, es su nombre: el director homenajea con el título y la estética minimalista a la película homónima Alan Clarke, sobre los problemas socio-políticos de Irlanda del Norte, película que a su vez toma la palabra de la expresión "el elefante en nuestra alcoba", que hace referencia a los problemas sociales que viven las naciones casa adentro, tratando de ignorarlos pese a su colosal tamaño, a su innegable notoriedad.

Enlaces:

11 septiembre 2009

Signs: el amor es simple

Una buena manera de terminar la semana y comenzar el ocio del finde, es echar un vistazo a esas pequeñas joyas del cine que son los cortometrajes.  Signs, realización australiana para el Festival de Schweppes de este año, es una de esas narraciones visuales en cuya simplicidad radica su encanto.  No es difícil identificarse con el protagonista, que se mece en una rutina monótona, tímido, introvertido pero amable y soñador, confundido en un mundo cuyos símbolos convencionales no van con él.  Con mucha maestría, el director Patrick Hughes no necesita más de 2 minutos para mostrarnos el profundo sentimiento de no pertenencia que alberga Jason.  En total el corto dura unos 12 minutos, no contiene diálogos, presenta muy pocos personajes y dos o tres escenarios, pues, de hecho, la clave está en las señales.  Algún profesor de literatura del colegio decía siempre que "lo bueno, cuando breve, dos veces bueno" y le doy la razón.  Como gran admiradora de la capacidad de síntesis en todas las artes, recomiendo con insistencia "Señales", una historia de amor y comunicación humana que celebra la inocencia, la sencillez y la ternura y además cuenta con una hermosa banda sonora.


01 junio 2009

Miedo y Repugnancia

fearandloathing Ahí va. Uno de los prototipos del mismo Dios. Un poderoso mutante de alguna especie nunca considerada para la producción en masa. Muy extraño para vivir, y muy raro para morir.
-Raoul Duke en Fear & Loathing in Las Vegas

No es nueva (1998), pero la vi por primera vez este fin de semana y me impresionó, no solo por la interpretación que de tan excéntrico personaje hace el Señor Actor Johnny Depp o la intensa actuación de Benicio del Toro, sino por su exquisito, originalísimo guión.  En el tema de las drogas, tengo mis reparos, supongo que lo he mostrado en mis posts sobre straight edge o alcohol.  Me considero tolerante y estoy por la legalización, pero confieso que me incomoda rodearme de personas que se drogan.  El placer no es un antivalor por sí, pero los caminos para alcanzarlo pueden serlo en cuanto empiezan a afectar la vida de terceros, animales humanos y no humanos.  Sin embargo, he llegado a pensar, sobre todo después de ver Fear and Loathing in Las Vegas -de Terry Gilliam-, que la drogadicción no es otra cosa que una manera alterna de existir, o sea, otro modo del ser, para el que debería existir una suerte de ontología paralela. Me hacen gracia mis propias palabras, tal como me hizo gracia el filme del que hablo.  Definitivamente poco comercial -fue un fracaso en taquilla-, la cinta podría resumirse como dos horas de miedo, asco y carcajadas bizarras: uno se ríe de situaciones absolutamente absurdas, violentas, estrambóticas, pero que se presentan como parte de la cotidianidad.

El narrador, conocido en la cinta como Raoul Duke, periodista, es un "coleccionista" de drogas, desde las más conocidas como la marihuana y la cocaína, hasta las menos comunes, como el adrenocromo, el éter y la mescalina. Vemos el mundo desde sus ojos y desde su cerebro: las imágenes se alteran conforme se altera su conciencia y su paranoia sube y baja; es un mundo desordenado por decir lo menos, en el que la sobriedad es una condición mental imposible, con largos períodos de tiempo acelerado, flashbacks y lagunas mentales.  La colorida ambientación en los años setenta, sumada a las luces y el glamour de Las Vegas, son el escenario perfecto para mostrar con más precisión el contraste entre lo estético y lo asqueroso.  Incontables escenas del "abogado" que siempre acompaña a Duke, vomitando o sumergido en oscuros líquidos en los que flotan latas de cerveza y cáscaras de naranja, se suceden y alternan con las alucinaciones del singular periodista, que pueden ser "artísticas", terroríficas o hilarantes.  Recuerdo en especial una escena en la que, luego de intoxicarse con éter, este par de viajeros ingresan a un circo-casino caminando de la manera más angulosa, errática y ridícula que puedan imaginarse, y lo que es peor, con plena conciencia de ello.

fearloathing
Duke y Gonzo -el abogado- son definitivamente dioses. Evaden todo posible encuentro con la ley y el orden. Escapan de las situaciones de riesgo de las maneras más inverosímiles.  Algo tienen de "intocables" pues incluso cuando, por exceso de velocidad, un policía detiene a Duke, se distancia cordialmente de él como si su nombre tuviese más poder que el del presidente, no sin antes robarle un beso (!). De seguro Dios es un loco drogadicto sin intervalos de lucidez, o tal vez nos mantiene drogados a todos de forma continua. Lo cierto es que entre lo trascendente y lo inmanente hay un abismo insalvable y ese es el origen de nuestra angustia, de la angustia existencialista.  La cultura, la sociedad y los humanos aparecen decadentes, desorientados, como marionetas de mal gusto. Una realidad que vista con cristales de color puede terminar pareciéndonos tan absurda como insignificante... todo es tan leve que a la larga da lo mismo.

09 noviembre 2008

Sunday Blues: Stressed Eric

stressederic Sressed Eric (Eric, el estresado) fue una serie animada para adultos transmitida en Inglaterra en la red BBC 2.  El protagonista, Eric, es un cuarentón de clase media y divorciado, a quien los problemas familiares y laborales afectan de manera particular. La historia tiene lugar en Londres, la gran metrópolis en donde Eric se siente sometido a una constante y terrible presión: las recurrentes y severas alergias de su hija, los problemas escolares de su hijo, las borracheras y resacas de Maria, la niñera au pair, el pago de la hipoteca, la constante carrera competitiva contra su vecino, Mr. Perfect, y muchos otros obstáculos que se interponen entre él y la tranquilidad. La vena de su sien late cada vez que se expone a las tensiones, y lo único que su psiquiatra tiene que decir al respecto es "Relájate Eric, Relaaaajate".


 
Quizá por hacer gala del especial "humor británico" la serie no tuvo acogida en EE.UU. donde se transmitieron apenas unos pocos episodios, doblados por actores norteamericanos. Si no recuerdo mal, en Latinoamérica llegó a transmitirse a través de Locomotion, una red maravillosa, ya desaparecida.
 
Personalmente considero a Stressed Eric una de las animaciones más originales que he visto, con un trasfondo social y filosófico de la vida moderna que va mucho más allá del excelente y fino humor negro que, sin duda alguna fluye a raudales, especialmente en el momento cúspide de cada episodio, cuando en el desenlace, la vena de la sien de Eric, irremediablemente cobra vida para aniquilarlo. A continuación, justamente ese momento en uno de mis episodios preferidos, "Pony".
 
 
Pueden ver este y otros episodios completos, en Joost.
 

22 octubre 2008

Ed Wood: el mejor en ser el peor

edwood7 Por muchos considerado el peor director de cine de todos los tiempos, reivindicado e idolatrado por otros; Ed Wood ha llegado a convertirse en un mito en la historia de Hollywood y del cine universal, pues a pesar de su peculiar producción cinematográfica, es imposible dejar de reconocer en su obra al soñador honesto, fiel a sí mismo, despojado de malicia, que quizá todos hemos sido o deseamos ser alguna vez. Conocí a Ed Wood a través del magistral retrato que de él hicieron el actor Johnny Depp y el director Tim Burton en la película homónima de 1994. Una película de difusión comercial no tan grandiosa, pero caracterizada por el más fino humor negro y un brillante guión que despierta enseguida el interés por la personalidad de este icono del cine. Filmada totalmente en blanco y negro, la estética utilizada cumple con el propósito de transportarnos a los años 50, época en que viviera el célebre Edward D. Wood Jr.glenorglenda

Ed soñaba con ser como su héroe, Orson Welles, quien había producido, protagonizado, dirigido y escrito el guión de la obra maestra "Citizen Kane". Y efectivamente, procuró desempeñar todos estos roles en sus películas. Así, en Glen or Glenda, asumió el papel principal de la historia, la cual originalmente se refería a un transexual y el drama por su cambio de sexo. En lugar de seguir el guión, Ed lo adaptó a una suerte de autobiografía en que narraba los dilemas vividos por un hombre que no podía resistirse a usar prendas femeninas, pese a ser totalmente heterosexual. La película incluye una serie de confusas escenas con diálogos sueltos que no parecen tener sentido, imágenes de actores y situaciones que no guardan relación con el hilo de la historia, e incluso apariciones terroríficas del mismísimo Satanás. Pese a estar precariamente editada y realizada, en la reseña de Cinemassacre -de James Rolfe, el Angry Videogame Nerd- se afirma que esta cinta puede considerarse "cine arte", ya que contiene composiciones muy cercanas a lo plástico y lo surreal.plan9
"Plan 9 From Outer Space" es una historia aparte. Los medios la han llamado la peor película de la historia, seguramente por los numerosos y evidentes errores de continuidad, producción y puesta en escena que exhibe. En realidad Ed rara vez repetía una toma, y era capaz de hacer decenas de ellas en muy poco tiempo. En esta ocasión el argumento gira en torno al malévolo plan con el que unos extraterrestres pretenden conquistar la Tierra, despertando para ello a los muertos y usándolos para destruir a la humanidad. Esta cinta, al igual que su predecesora "Bride of the Monster" contiene, entre otros, los siguientes apreciables errores:

  1. No hay continuidad entre las escenas filmadas durante el día y las filmadas durante la noche. Esto ocurre porque unas tomas corresponden a una cinta antigua que Ed Wood había elaborado con su amigo Bela Lugosi -el famosísimo Dracula del cine clásico- quien para entonces ya había muerto; y otras escenas fueron filmadas en los interiores del estudio, con luz artificial.
  2. La escenografía es excesivamente falsa. Cuando los muertos se levantan de sus tumbas se puede ver claramente que las lápidas son de cartón, incluso en una ocasión se observa perfectamente como una cae al suelo. Así mismo, en Bride of the Monster, cuando uno de los actores ingresa en una habitación, se ve como la pared se tambalea.
  3. La utilería también es excesivamente falsa. Los platillos voladores son extremadamente simples y están recubiertos de una chillona pintura metálica (tomando en cuenta que la cinta es a blanco y negro). Cuando vuelan hay veces en que se ve la sombra que proyectan sobre el fondo del plató... incluso en una escena se puede ver la sombra del micrófono. En Bride of the Monster, el pulpo que el personaje de científico loco conserva como mascota, es tan falso que uno puede percaterse de su absoluta inmóvilidad, mientras los actores que luchan con él se esfuerzan por sacudir sus tentáculos para recrear un ataque.
  4. No hay continuidad entre las escenas de archivo y las que se rodaron para la película. En primer lugar, a Ed le pareció buena idea aprovechar una pequeña cinta con imágenes de su amigo Lugosi -unos pocos segundos- para el principio de la película Plan 9. Durante el 95% del filme, un supuesto Lugosi, que en realidad era el quiropráctico de su mujer, aparece cubriéndose el rostro permanentemente con una capa, para que nadie se diera cuenta de que era otro actor. Y como si eso fuera poco, Bride of the Monster incluye una serie de escenas de un pulpo real -diríase tomadas de un documental- que se intercalan con las del pulpo de utilería, en un contraste que llega a la más elevada ridiculez.
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¿Si sus películas fueron tan malas y Ed Wood fue tan inepto, por qué voy a afirmar a continuación que es uno de mis héroes? Pues siendo prácticos, para empezar, y en esto concuerdo con El Nerd, hay películas mucho peores, entre ellas algunas de alto presupuesto y enorme producción. Después de todo, lo que hizo Ed fue "arar con los bueyes que se tiene" como dice mi abuelito. Y lo que logró no es de ninguna manera aburrido; por el contrario, sus películas son de verdad hilarantes y entretenidas -aunque gran parte de la diversión se deba justamente a cuán mal realizadas están-. Además, Ed se mantuvo siempre fiel a sí mismo; para bien o para mal logró plasmar de manera independiente, sin subordinarse a las imposiciones de nadie, las locas ideas que llenaban su cabeza. En lugar de darse por vencido y dedicarse a un oficio común y corriente, persistió mucho en su afán de ser un hombre de cine; tanto que no dedicó un sólo día de su vida a otra cosa. En otras palabras, era un valiente. Y, aunque él no haya sospechado la causa, pasó a la historia como uno de los grandes... hoy en día, las películas de Ed Wood son objeto de culto.
Por su honestidad, pasión, constancia, audacia, creatividad y coherencia con su cosmovisión, le doy a Ed cinco brillantes estrellas doradas, en calificación por la totalidad de su obra que fue, a la larga, su vida.

28 septiembre 2008

Sunday Blues - The Angry Videogame Nerd

avgn The Angry Videogame Nerd [El enojado nerd de los vídeojuegos], conocido por las siglas AVGN, es un fenómeno de humor Web, que a pesar de ser peculiar, original y masivo, no había conocido hasta hace un par de días, gracias a JJF. Se trata de una serie de vídeos que reseñan videojuegos antiguos, generalmente de consolas caseras de 8 bits, como Nintendo y Sega, e incluso Atari.  El personaje central, un irascible y malhablado nerd de camisa blanca y lentes, encuentra los más absurdos errores y problemas de jugabilidad al revisar los cartuchos, lo que termina por desesperarlo y enfurecerlo hasta el punto de proferir toda clase de palabrotas y reaccionar asquerosamente hacia la mediocridad de los programadores.



Inicialmente la intención de James D. Rolfe, quien creó la serie en 2004 y además encarna al Nerd, era compartir las bromas únicamente con sus amigos. Ante la insistencia de éstos comenzó a subir las reseñas a su canal de YouTube, recibiendo enseguida una sorprendente aceptación.  De hecho, la serie se ubica como una de las 15 más vistas globalmente en todo el catálogo de YouTube.



Hoy en día la fanaticada de AVGN es verdaderamente numerosa, y el programa se ha convertido en todo un referente dentro de la comunidad de los vídeojuegos, por lo que su creador ha sido entrevistado y mencionado en medios de comunicación del área a nivel mundial. Además, gametrailers.com de la red MTV lo invitó a tener su propia sección dentro del sitio, por lo que los nuevos episodios pueden encontrarse exclusivamente ahí.

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Absolutamente adorable.

Mención aparte merece la canción temática de la serie, pues los fans han realizado cientos de covers de la pegajosa melodía, que van desde el heavy metal hasta chiptunes e incluso versiones realizadas con el legendario Mario Paint. La letra traducida ya está disponible en Blue Moon Lyrics.

Y para reír un poco luego de un domingo cívico de votaciones, el divertido episodio navideño sobre juegos con temas bíblicos:

 



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Enlaces:

Lista de episodios en Wikipedia


AVGN en gametrailers.com


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07 septiembre 2008

Sunday Blues: Recordando al Chico Migraña

Hace algunos años, cuando Mtv todavía era un canal que podía verse, se intercalaba entre programas una serie animada con episodios de pocos segundos de duración, conocida como "Chico Migraña". La serie se basaba a su vez en un cómic de Greg Fiering, originalmente escrito en inglés y que se dobló al español para llevarlo a la pantalla latinoamericana. El Chico Migraña es el personaje central, víctima de un perpetuo y molesto dolor de cabeza, que lo tiene casi siempre de mal humor y muy irritable. Su antítesis, un personaje sin nombre, que algunos llaman "Chico Aspirina" se pasa la vida buscando la manera de alegrar al Chico Migraña, de quien está locamente enamorado. En este juego de opuestos el autor encuentra la dinámica para producir un humor muy particular. También suele hacer aparición la mascota del Chico Migraña, un perrito llamado "Tylenol". En el siguiente vídeo, aunque no de óptima calidad, pueden apreciarse algunos de los cortos que en ese entonces formaban parte de la programación de Mtv Latin America:

Naturalmente, leer las tiras cómicas originales también es una delicia y tiene un especial encanto, ya que apenas una fracción mínima de ellas fueron llevadas a la televisión:
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En este álbum de Flickr podemos encontrar un gran número de tiras cómicas originales y pasar un largo rato divirtiéndonos y relajándonos con el "Migraine Boy" que todos llevamos dentro.

Además, les recuerdo que otra opción para entretenerse en la antesala del lunes, son los domingos musicales de Pitonizza (¡harto hard rock!).

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03 agosto 2008

Sunday Blues: Mondo Mini Shows

Mondo

Conocidos sobre todo por la serie Happy Tree Friends, que se llevó a la televisión y fue transmitida en nuestro medio a través de Mtv, Mondo Mini Shows, especializados en animación flash de distribución Web, tienen además una serie de divertidos cortos y series para adultos, caracterizados por un particular humor negro que se ha vuelto el sello distintivo de la compañía.

Después de una semana más bien política en el blog, aligeremos el peso del domingo, con un episodio de la serie The God & Devil Show, invitado especial: Marilyn Manson...

 

También han estado invitados: Keith Richards, Britney Spears, George Bush, Los Clinton, Bill Gates y una lista muy larga de celebridades.

  • Otras series de Mondo Mini Shows:

Like News, Heavy Metal Guy (recomendado), Queer Duck

  • Enlaces útiles:

Myspace TV Channel

YouTube Channel